악기 구분하기 카브드 와 프레스 수제와 반수제 공장제

초급자용

1. 유명 메이커의 제품을 고르시는게 안전합니다.

중 소규모 업체에서도 좋은 악기를 생산하나 일반 소비자들은 잘 만든 악기를 구별하기 쉽지 않으므로
이미 널리 알려진 악기를 구입하시는게 품질이나 가격, 또 차후 A/S 문제나 중고로 처분하실 때 유리합니다.

2. 악기의 후판 무늬 보다는 소리가 중요합니다.

물론 아름다운 무늬는 악기를 돋보이게 하지만 초급자용은 거의 후판 무늬가 없으며, 있다 해도약하거나 무늬를 인공적(밝은 쪽을 향해 악기를 조금씩 움직여 보면 무늬의 명암이 바뀌는, 즉 어두운 부분이 밝아지는 현상이 나타나면 나무의 고유 무늬이며 변화가 없으면 그린 것입니다)으로 만든 경우도 있습니다.

3. 전판의 나무결은 되도록 곧고 선명하며 넓이가 일정한 것이 좋습니다.

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4. 악기의 부속은 그 기능에 적절한 재질로 만들어진 것이 좋습니다.

– 지판(FINGER BOARD) : 흑단이어야 합니다.흑단이 아니면 현을 짚을 때 마다 쉽게 마모되어 얼마 후 줄에 눌린 자국이 생겨 잡음과 정확한 운지에 지장이 있을 수 있습니다.
흑단나무의 결이 보이지 않고 반짝이는 것은 흑단이 아닐 수도 있습니다.

– 장식(PURFLE) : 나무띠를 심은 것에 비해 그려 넣은 것은 전 후판이 충격에 약할 수 있습니다.장식의 두 줄 사이가 전판이나 후판의 나무 결을 끊어 놓아 연결되지 않으면 심은 것입니다.즉 나무 결의 연장선이 장식의 두 줄 사이에도 있으면 그린 것입니다.


<퍼플링>

5. 오래된 것일수록 좋습니다.

대부분의 현악기는 만든지 1-2년 사이에 변형이 많이 생깁니다. 주변 환경에 따라 저절로 판이 갈라지거나 판의 일부가 떨어지는 경우가 있는데 제작된지 2년이상 지나도록 변형이 없으면 더 이상 그러한 문제가 생길 확률은 현저하게 떨어집니다. 그러므로 굳이 최근에 만든 악기를 고집하는 것은 좋지 않습니다.물론 과거에 만들어진 악기가 최근제작된 악기와 품질이 동등할 경우에 해당되는 말입니다.
참고로 올드(old)악기란 제작된지 100년(악기는 100년 이상이 지나야 좋은 소리를 제대로 낼 수 있다고 합니다)이상된 악기로 그 품질은 물론 소리까지도 아름다운 악기만이 명기라고 할 수 있습니다.

중급자용

1. 초급자용과 같은 방법으로 고르시면 됩니다.

초급자용과 다른점은 아래와 같습니다.

2. 대부분의 중급자용 악기는 그 등급에 알맞는 재질과 정성으로 만들어집니다.

대량생산을 하는 업체의 악기는 등급에 따른 품질이 일정한 편이며, 가격면에서도 소규모 제작자의 악기에 비해 싼 가격에 구입하실 수 있습니다. 그러나 소비자의 다양한 요구에 꼭 맞게 만들기는 쉽지 않은 점이 있습니다.
그리고 악기의 등급을 어느 정도 알 수 있는 방법 중에 후판,측판과 목의 무늬(tiger무늬)를 보고 구별할 수 있는데 그 무늬가 조밀하고 선명하며 균형이 잡힌 것일수록 고급악기라고 보아도 될 것입니다. 그 이유는 좋은 무늬의 자재는 많이 생산되지도 않으며 또한 무늬가 조밀하고 선명할수록 단단하여 전판의 울림을 증폭시키는데 유리하고 그런 고급자재는 목재상이 몇대에 걸쳐 수십년간 건조시켜와 변형에 강한 고급자재이므로 높은 가격에도 불구하고 전문 제작가들이 선호하는 자재이기 때문입니다.

3. 공장제품, 반 수제품, 수공(제)품의 차이

결론부터 말하면 수공품이 당연히 제일 좋습니다.그러나 소비자들은 물론 전문가들조차 악기를 분해하여 부분별 칫수를 재어보기 전에는 알기 어렵습니다.그 이유는 아래의 기준을 보시면 이해가 빨리 되시리라 생각됩니다.

-수공품 : 예로부터 악기의 전 후판은 아래 위로 배(arching)가 나오게끔 만들어지는데, 그 배의 높이보다 조금 두꺼운 나무의 안쪽을 깎아 들어가며 공간을 만들며, 또 바깥쪽을 다듬어 악기의 표면을 만드는데 이를 카브드(carved) 공법이라 합니다. 여기에 오래 전부터 내려온 명기들의 칫수와 제작가의 특성을 더하여 부분별로 다르게 깎고 (판의 두께는 좋은 소리를 내게 하기 위해 부분별로 서로 다른 두께로 만들어져 왔습니다) 그 외 목(neck)과 머리(scroll), 측판, 자연 친화적인 칠, 심지어는 부속까지도 악기 제작가가 직접 조각하여 만들었지만 부속 제작은 악기의 소리 보다 그 기능이 중요하므로 요즘은 부속 전문 제작업체의 제품을 다듬어 사용합니다.
그러므로 수공품이란 크게 보면 제작가가 전 후판을 두꺼운 나무상태에서 정확한 칫수에 맞게 직접 깎았는 가로 결정 지을 수 있습니다. 또한 숙달된 기술과 정성으로 많은 시간을 요하는 작업에 저급 재질을 사용하는 제작자는 없을 것입니다. 즉 고급자재와 부속을 사용하고 제작기간도 훨씬 많이 걸리는 공법이라 악기의 가격은 적어도 수백만원에서 수천만원을 훨씬 넘는 악기도 있습니다.

– 반수제품 : 카브드(carved)공법을 사용하는 것은 수공품과 같으나 사람이 아닌 기계로 대충 형태를 만든 후 마무리만 제작가가 직접합니다. 오늘날 대개의 중급자용 이상의 악기는 이같은 방법으로 제작하는데 심지어 약간의 마무리만 하여 바로 악기를 조립 제작할 수 있도록 몸체와 부속이 SET화 되어 판매되는 것도 있습니다.
결국 수공품과 제작기법의 차이는 기초 성형작업을 사람이 했는가 기계가 했는가의 차이, 즉 제작가의 정성과 관련된 문제입니다. 물론 아주 고급자재의 경우에는 기계보단 사람이 깎는 것이 자재손실을 줄일 수 있기도 하며 대량 생산이 어려우므로 기계를 사용하기도 어렵습니다. 수제품과 기술상 별 차이가 없으므로 가격 또한 공장제품에 비해 훨씬 비싸게 판매됩니다.

– 공장제품 : 대량생산을 목적으로 만든 제품이라 자재, 품질, 가격면에서 수공품과 비교하긴 어렵습니다.
대부분 분업화로 여러 사람이 각각 악기의 다른 부분을 만들어 제작하는 방법을 사용하며 전 후판 성형엔 카브드(carved)공법에서 사용하는 목재보다 얇은 목재에 압력과 열을 가해 성형하는 프레스(press)공법을 사용하는데, 이는 자재비등 비용 절감을 위하여 선택되기도 하며 일부 업체에선 기계를 이용한 카브드 공법으로 초 중급자용 악기를 만들기도 합니다. 그런데 프레스 공법은 성형 당시의 압력과 열에 의해 나무의 조직이 변형되어, 제작 후 시간이 경과함에 따라 악기의 변형이 있을 수 있습니다. 물론 카브드 공법으로 제작되어도 목재의 건조과정등에 의해 변형이 생기기도 합니다. 부속 또한 수공품에 비해 낮은 등급을 사용함은 물론입니다. 그러나 국내외 유명 현악기 메이커도 분업방식으로 좋은 품질과 높은 가격의 악기를 대량으로 생산하고 있으므로 공장제품이라 하여도 무조건 저급품이란 생각은 옳지 않습니다.

따라서 반 수제품과 공장제품의 차이는 제작방법상 차이가 있다고 할 수 있으나, 대량생산을 하면서도 카브드 공법을 사용하는 업체가 있고, 또 반 수제품이라 하여도 제작가의 기술과 정성에 따라 수공품의 품질로 만들 수 있으니, 결국 얼마나 좋은 자재로 얼마나 숙달된 기술과 정성으로 만들었는지가 그 가격과 품질을 결정하게 되므로 그 구별은 쉽지 않습니다.

출처: http://jazzbass.tistory.com/16 [정승환의 Jazzbass.tistory.com]

더블베이스(콘트라베이스) 의 지판 에 대해서

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더블베이스(콘트라베이스) 의 지판은 Ebony 라는 나무로 만든다. 이 에보니는 검은색을 지닌 매우 단단한 나무인데 한국어로는 흑단이라고 한다.

하지만 요즈음에는 전체적으로 색이 검은 흑단을 구하기 힘들기 때문에 애닐린 으로 염색하는 경우가 많다. 또는 염색을 아예 하지 않고 에보니 특유의 나뭇결을 살린 부분도 있다. 이런경우 갈색의 나무결들이 나타나기도 한다.

염색을 한경우에 지판을 닦다 보면, 염색약이 묻어나오는 수도 있지만, 그다지 걱정할것은 아니다. 다만 에보니가 아닌경우, 다른나무로 만들고 겉에 검은색 도료를 코팅하는 경우도 있다. 이경우는 사운드가 그다지 좋지 못하고 연습용 악기에 적용된다.

때로는 E 스트링쪽과 A 스트링 사이에서 각고를 주어서 E 스트링부분만 평평하게 깍여 있는 지판도 볼 수 있는데, 이것은 E 스트링이 두껍기 때문에, 비브라토라던지 여러가지 주법상에서 생길수 있는 연주의 편의성 를 높이기 위해서 예전에 이렇게 제작한경우가 많았다.특별히 Arco(활로 키는 연주) 에서 더욱 효과를 발휘한다.
이것은 Bernhard romberd 라는 첼리스트가 처음 시도했기 때문에, romberg bevel 이라고 한다.

하지만 현재는 스트링을 제작하는 기술의 발전으로 거의 필요가 없게 되었다.E 현을 연주하는것에도 불편하고, 재즈 연주상에서는 E 현의 탄현이 힘들어지기 때문에, 별 필요가 없다.
따라서, 요즈음에 제작되는 콘트라베이스의 경우에는 이렇게 각도를 주어서 지판을 만들지 않는다. 첼로의 경우에는 이러한 각도를 준경우를 많이 볼 수 있다.

Wikipedia 에서 긁어온 영어 원문에 두꺼운 글자와 밑줄로 표시해놨다.

Bernhard Romberg

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portrait of Bernhard Romberg (1815)

portrait of Bernhard Romberg (1815)

Bernhard Heinrich Romberg (November 131767, Dinklage – August 131841Hamburg) was a German cellist and composer.

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[edit] Life

His father, Anton Romberg, played the bassoon and cello and gave Bernhard his first cello lessons. He first performed in public at the age of seven. In addition to touring Europe with his cousin Andreas Romberg, Bernhard Romberg also joined the Münster Court Orchestra.

Together with his cousin, he later joined the court orchestra of the Prince Elector Archbishop of Cologne in Bonn (conducted by the Kapellmeister Andrea Luchesi) in 1790, where they met the young Beethoven. Beethoven admired and respected Bernhard Romberg as a musician. However, Romberg had difficulty understanding some of Beethoven’s musical ideas, and rejected Beethoven’s offer of a cello concerto for him, saying that he primarily performed his own compositions[1]

Romberg is notable for several innovations in cello design and performance. He lengthened the cello’s fingerboard and flattened the side under the C string, thus giving it more freedom to vibrate. He suggested that half-size and 3/4 size cellos should be designed to make it easier for young children to play the instrument. Romberg is responsible for simplifying cello notation to only three clefs, the bass clef, the tenor clef and the treble clef. Until his time, it was common to use many clefs for multiple uses – the 18th century cellist-composer Luigi Boccherini used as many as six clefs in his compositions. Romberg is thought to be among the first cellists to perform from memory, which was a skill praised highly in his day.[2]

It has been suggested (by several of the authors quoted as references to the article in that link) that Romberg’s cello sonata in E minor was a strong influence on the first cello sonata in E minor by Johannes Brahms.

 

일렉트릭 베이스에서 더블베이스 연주자로의 변신하기 by Christopher Vance

많은수의 일렉트릭 베이스 연주자들은 더블베이스도 연주하고 싶어한다. 하지만 두 악가간의 많은 차이점이 존재하기 때문에 쉽지가 않다.

Points to Consider – 생각해야할점

더블베이스는 일렉트릭 베이스에 비해 매우 많이 길다. 일렉트릭 베이스는 32인치에서 35인치 사이의 간격을 지니고 있찌만, 더블베이스는 40-44인치 사이의 현 길이이다. 따라서 자신의 손이 이 악기를 연주할 만큼 큰지 생각해보아야 한다.

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긴 현의 길이 떄문에, 왼손의 기술이 많이 틀리다. 일렉트릭 베이스에서는 엄지손가락을 제외 하고 4개의 손가락을 모두 하나의 프렛마다 사용하게 된다. 하지만 더블베이스에서는 그렇게 4개의 손가락을 다 사용하게 되면 제대로 된 음정으로 연주할 수 없다. 낮은 포지션에서는 약지를 생략한다. 따라서 E현에서 낮은 F- F#-G 를 연주할떄 일렉트릭 베이스에서는 1-2-3 손가락을 사용하지만, 더블베이스에서는 1-2-4 손가락을 사용하게 된다. 옥타브 근처 그러니까 일렉트릭베이스로 치면 약 12프렛 근처에서는 새끼손가락 대신 약지를 사용한다. 또한 높은 포지션으로 가게 되면 엄지포지션을 쓰게 된다. 한 옥타브 이상의 포지션에서는 엄지를 지판위로 끌어와서 엄지, 검지, 중지, 약지 순서로 손가락을  사용한다.

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또한 줄을 어떻게 피킹할것인지도 상당히 다르다. 일렉트릭 베이스의 경우 20-30 파운드 정도의 탠션이 줄에걸려 있다 . 따라서 부상의 위험없이 줄을 잡아 댕기기 편하지만, 더블베이스의 경우에는 100파운드 정도 되는 탠션이 줄에 걸려 있다. 따라서 팔의 전체적인 무개로 줄을 튕겨야 한다. 팔의 큰 근육들을 쓰지 않는다면, 부상의 위험이 있다(설마 부상까지;;;;;;;)

또한 가장 큰 다른점중 하나는 더블베이스는 수직으로 연주하게 된다는것이다. 일렉트릭 베이스는 수평으로 놓고 연주하게 된다. 수직으로 세워놓고 연주하기 때문에, 높이를 조절할수 있는 엔드핀을 사용한다. 기본적으로, 엔드핀은 베이스의 너트부분과 자신의 눈썹 부분의 높이를 같게 하여 높이를 조절한다. 하지만 익숙해지면 수직으로 연주하는것이 수평으로 연주하는것보다 훨씬 편하다. 왜냐하면, 신체의 위치와 신체 근육들과 팔꿈치의 각도에 훨씬 유리하게 되어 있기 때문이다.

A starting point for holding the double bass:-처음 더블베이스로 자세를 잡을때

  • 양 발을 어깨 넓이로 벌려선다.
  • 왼발을 오른쪽 엄지의 연장선상으로 앞으로 이동한다.
  • 베이스를 왼쪽발의 앞에 놓고 자신의 몸에 기댄다. 더블베이스의 뒤쪽 코너라인이 자신의 갈비뼈에 닿도록 하고, 너트가 눈썹에 오도록 맞춘다(높이를 미리 맞춘다). 사람마다 위치와 높이가 다를수 있다

원문입니다.(http://www.zaretandsonsviolins.com/transition.html)

Making the Transition from Electric Bass to the Double Bass
by Christopher Vance

Many electric bass players would love to also play the double bass, but the differences between these instruments can be overwhelming. Also, the availability of double basses to experiment with (unless you take the plunge and buy one up front) and the opportunities to have an experienced double bassist lay down the ground rules for playing the instrument are slim unless you pay to take private lessons.

Points to Consider

Double basses have a much longer string length. Electric basses have an average string length of 32 inches, where double basses have an average string length of 42 inches (this can vary from 40 to 44, so if you are looking for a bass ask yourself: “are my hands big enough to play this instrument comfortably?”)

Due to the considerably longer string length, left hand technique is very different. Where on electric bass all four fingers (pointer, middle, ring and pinky or 1-4) are used one finger per fret, on the double bass all four fingers are never used together because it would be impossible to play in tune. In the lower positions the ring finger is omitted, so if you wanted to play F-F#-G on the E string in the lowest position, you would use the 1-2-4 (instead of 1-2-3 on electric). As you approach the octave harmonic (12th fret on the electric bass) the 3rd finger is substituted for the pinky (3 instead of 4) and used all the way into the highest positions. The higher positions on the bass are called “Thumb Position” because starting on the octave harmonic, the thumb is brought around the neck and used as any other finger: thumb, 1,2,3.

How you close the string on the double bass is also different than on an electric. An electric bass has approximately 20-30 pounds of string tension on it, making it possible to squeeze the string with the hand without a high risk of injury. The double bass, on the other hand, has over 100 pounds of string tension, making it necessary to pull the string back with the weight of your arm. Failure to use the larger muscle groups of your arm as much as possible can result in injury.

One of the most obvious differences is that the double bass is played vertically; the electric bass is played horizontally. The vertical nature of the double bass causes the use of an adjustable endpin. As a general rule, the endpin should be set at the height where the nut (the piece of ebony at the bottom of the pegbox holding the strings in the designated spacing) is level with the player’s eyebrow. Note: playing vertically rather than horizontally can be much more comfortable when done correctly — it is closer to the body’s natural position while playing horizontally causes a twist at the elbow/wrist.

A starting point for holding the double bass:

  • Stand with your feet about shoulder width apart.
  • Step forward with your left foot so that the heel of your left foot is a few inches farther than the line of your right toes.
  • Place the bass in front of your left toes and lean the bass into your body so the back corner of the bass is in line with your rib cage and the nut is level with your eyebrow (if the endpin is set at the proper height). The exact distances vary from person to person based on height, width, and proportion.

Plucking the string (pizzicato)

Much like resting your thumb on the pick-up of an electric bass for stability, rest your thumb on the side of the fingerboard close to the bridge end. The placement of the hand closer/farther away from the bridge affects the character of the tone. Then, experiment with the angle your fingers approach the string and how deep into the fingertip you are contacting the string. As an example, if your fingers are closer to the bridge, at a right angle to the strings, and you are contacting the string with the very tip of the finger, then a sharp, focused and nasal sound will occur. If you are well onto the fingerboard with your fingers parallel to the string and you are contacting the string deep on the finger, a broad, less focused, softer sound will occur.

Bowing the string (arco)

The concept of bowing is completely foreign to electric bassists. (Unless you are experimenting in the style of Jimmy Page!) Holding the bow should be as relaxed as possible. Place your thumb in the corner where the frog meets the stick, and let the fingers of the hand fan across the top of the stick. Think of the triangle formed between thumb, pointer and pinky as giving you control over the bow. Keeping your wrist bent slightly upward and your elbow straight but loose, place the bow on the string at the frog end and draw a bow all the way to the tip. Now your elbow should still be straight but loose and your wrist should be bent even more upward when you arrive at the tip. This is a down-bow; repeat the process in reverse from tip to frog for an up-bow. Always try to use only the weight of your arm at first (don’t press), keep the bow parallel to the bridge throughout the bow stroke and always maintain bow tracking, i.e. keep the bow on the exact same point on the string throughout the bow stroke. In general, the midway point between the bridge and the fingerboard is best at the beginning.

Hopefully this can give you an overview of the things to consider when transitioning to the double bass from the electric bass. To explore these issues further, consult Franz Simandl’s New Methods for the Double Bass. It has been the beginner double bassist’s bible for over 100 years and very systematically develops the use of the left hand and the bow. Also, a good teacher will always help speed you along the road to proficient double bass playing!